La versión live-action de Disney de la película Lilo y Stitch es un testimonio de narración innovadora, que invita al público a experimentar la magia de ohana y la alegría de formar una familia en las circunstancias más inesperadas. La fotografía principal de la película se llevó a cabo en Hawái, en la isla de O’ahu, en 2023.
Los realizadores se propusieron crear una película que resonara con públicos de todas las edades, reuniendo a un impresionante equipo creativo enfocado en garantizar que los elementos visuales y temáticos de la cinta reflejaran y respetaran la autenticidad del original.
El equipo creativo principal incluye: el director de fotografía Nigel Bluck (The Peanut Butter Falcon), el diseñador de producción Todd Cherniawsky (Obi-Wan Kenobi), los editores Phillip J. Bartell, ACE (Haunted Mansion) y Adam Gerstel (Ant-Man and the Wasp: Quantumania), la diseñadora de vestuario Wendy Chuck (The Holdovers), el supervisor de efectos visuales Craig Hammack (Black Panther: Wakanda Forever), el compositor Dan Romer (Death of a Unicorn), la intérprete en traje de Stitch Sara Arrington (The Jungle Book) y el titiritero de Stitch Seth Hays (The Mandalorian).
La magia del cine y los efectos visuales jugaron un papel fundamental para dar vida a Stitch.
El productor Jonathan Eirich habló sobre la colaboración con el productor ejecutivo Tom Peitzman: “Nos encanta trabajar con Tom. Esta es nuestra segunda película juntos, y él aporta un conocimiento profundo tanto de la producción como de los efectos visuales. Stitch es un personaje completamente generado por computadora, así que la combinación de la experiencia de Tom en producción física y en efectos visuales ha hecho que el proceso sea muy fluido”.
Eirich añade: “Nuestro director, Dean Fleischer Camp, tenía una gran verdad: la ternura es algo que la evolución ha creado durante miles de años… solo tenemos que aprovechar eso. Así que observamos todo en la naturaleza que nos parece encantador y lo fusionamos en un solo personaje, haciendo que Stitch fuera creíble y naturalmente atractivo para el público”.
El productor ejecutivo Ryan Halprin compartió detalles sobre el proceso de diseño: “La primera pregunta de todos era cómo se vería Stitch. El enfoque de Dean fue apoyarse en cómo los humanos reaccionan ante ciertos rasgos animales. El diseño de Stitch se inspiró en las orejas de un ciervo, la nariz de un bulldog y la textura de un koala. Sus ojos son como los de una foca: negros desde lejos, pero más parecidos a los humanos de cerca para lograr una conexión emocional”.
Agrega Peitzman: “Stitch siempre iba a ser generado por computadora. El reto era lograr actuaciones auténticas del elenco humano al interactuar con un personaje que no estaba presente. Invitamos a Legacy Effects para construir una maqueta y un títere en el set, tanto para referencia de iluminación y cámara como para que Maia pudiera conectar emocionalmente e interactuar. La maqueta, combinada con las habilidades de titiritero de Seth Hays, ayudó a dar vida a Stitch de una forma que se sintiera real para los actores y, en última instancia, para el público”.
Al filmar escenas en las que Kealoha interactúa con Stitch, era importante para los realizadores que la joven actriz tuviera algo con qué actuar siempre que fuera posible… y algo más sustancial que una pelota de tenis.
Arrington trabajó de cerca con Kealoha para superar los desafíos iniciales, como ayudarla a comprender los fundamentos del rodaje y ensayar escenas con un Stitch imaginario (Arrington se ponía un traje gris y actuaba frente a la actriz). “Maia tenía que participar en escenas con una criatura imaginaria, manteniendo una conexión con algo que no estaba físicamente presente”, explica Arrington. “Utilizamos diversos objetos como títeres, peluches y muñecos para simular a Stitch durante los ensayos”.
Arrington continúa: “Uno de los retos de hacer esta película es que Stitch no tiene el tamaño de una persona. Mide apenas desde mi rodilla hasta el suelo, y a veces se está moviendo mucho. Así que el actor tiene que involucrarse en una escena, estableciendo una conexión completa con una criatura que se está moviendo y básicamente tiene su propio diálogo. El director necesita esa conexión visual directa que solo otra persona puede ofrecer”.
Sin embargo, hubo escenas en las que Camp necesitó algo más sustancial, y ahí es donde intervino Seth Hays. Hays, quien fue el titiritero de Stitch, trabaja con Legacy Effects y anteriormente fue uno de los titiriteros de Grogu en la serie de Disney+/Lucasfilm The Mandalorian.
“Hay una escena en la que Lilo está corriendo y tiene que estar hablando con Stitch todo el tiempo, así que Seth llevaba un títere y corría junto a ella”, explica Arrington. “Si Seth no hubiera estado ahí, no habría funcionado tan bien. Se creó un nivel de confianza entre Seth, Maia, Dean y yo; todos trabajamos juntos para que esos momentos se vieran creíbles. Y probablemente hubo como cien versiones distintas de Stitch. Teníamos una versión tipo jaula gris, y una versión pesada que se usó para las escenas bajo el agua. Pero al final del día, nada de eso importa si Maia no lograba conectar con él”.
Hays describe su rol específico en el set, diciendo: “Básicamente, yo estaba ahí para darle a Maia un compañero de escena más realista y para darle a Dean una idea más precisa de cómo quería que se viera la escena, y qué habría en ese espacio donde eventualmente aparecería un Stitch hecho por computadora… algo más que un objeto sin vida. Esto ayudó a que tanto Dean como Maia se sintieran más cómodos, y también le dio al equipo de efectos visuales las dimensiones espaciales que necesitaban para completar su trabajo en postproducción”.
Hays continúa: “Este títere en particular que usamos es diferente en el sentido de que no íbamos a usar la actuación que yo hacía con él. En la mayoría de los personajes en los que trabajo, se utilizan mis movimientos, y eso es lo que se ve en pantalla. Pero no en esta película. El títere estaba ahí para darle vida al personaje para todos en el set. Y era solo yo, y solo tengo dos manos, así que solo podía mover una parte de sus extremidades. Normalmente habría al menos otra persona, y otra más para manejar la cabeza, porque sería una cabeza animatrónica o un personaje animatrónico”.
“Estábamos usando lo que se llama un títere de varillas, y tiene varillas que salen de cada una de sus extremidades,” explica Hays. “Así puedes expresar emociones con sus manos, y definitivamente tiene muchas emociones que puede transmitir con los ojos, simplemente por el tipo de personaje que es. Tiene unos ojos muy grandes y una boca enorme”.
Hays recuerda su primer día trabajando con Maia en el set: “Hacía un calor brutal, y todos estaban cansados y un poco irritables. Pero en el momento en que Maia se involucró y vio a Stitch, fue algo bastante mágico. Yo estaba feliz de ser el tipo que sostenía los palitos y le daba vida para ella, y créeme, ella es una actriz increíble. Realmente se entregó en cada escena que hicimos juntos, sin importar qué”.
“Dean aprendió con Marcel the Shell with Shoes On que cuando no hay interacción táctil en un set práctico, el público se desconecta,” dice Eirich. “El títere y la maqueta de Stitch —aunque nunca se ven en pantalla— se usaron para hacer que las interacciones fueran reales. Cuando Stitch revuelve papeles, tiene que parecer real, lo cual hace que la integración con los efectos visuales sea perfecta, y que el personaje se sienta como parte del entorno”.
Craig Hammack, de Industrial Light & Magic, quien funge como supervisor de efectos visuales de la película, habla sobre la colaboración con Legacy:
“Las maquetas peludas de Stitch que crearon eran meticulosas, con pelaje cosido a mano que se veía hermoso, y Seth fue increíble. Le dio una personalidad real a los títeres, lo cual fue de gran ayuda para Maia. Estableció una verdadera amistad con ella, y tenía talento en formas que no esperábamos. Los títeres no siempre se ajustan bien a un set de rodaje, así que hay que ser creativo para encontrar la mejor manera de ayudar a Maia, sin chocar con cosas con las que Stitch sí chocaría ni proyectar sombras sobre el set. Seth fue un colaborador tremendo, porque lograba sacar las mejores actuaciones de Maia en el set de la forma menos invasiva posible”.
Al hablar de su enfoque general hacia los efectos visuales de la película, Hammack dice: “Queríamos mantenernos bastante fieles a la película original, especialmente en lo que respecta a Stitch. Ves mercancía de Stitch por todos lados, así que es muy conocido, pero al mismo tiempo, es muy único y tiene características bastante sutiles. Pasamos mucho tiempo determinando cuál era exactamente la combinación de cosas que hacen a este personaje tan querido, para poder ser lo más fieles posible al representarlo en 3D”.
Hammack continúa: “Desarrollamos mucho para llegar a eso, con tonos de color matizados, cómo se mezcla el pelaje, qué tan grandes son los ojos, cuál es su forma y qué tan grandes son las orejas. Al final, creo que realmente logramos capturar la actitud y la esencia correctas del personaje”.
Crear las versiones alienígenas de Jumba y Pleakley presentó todo un nuevo conjunto de desafíos.
“Jumba y Pleakley son caricaturas,” explica Hammack, “y Jumba es sin duda más grande que la vida misma. Hay aspectos de su personalidad que se manifiestan en su carácter y lo hacen grande y jovial, y es una línea muy fina cuando intentas poner ese tipo de criaturas en un entorno realista. Ambos personajes tienen rasgos muy grandes, y sus movimientos tienden a ser un poco exagerados, cosas que no ves en el mundo real, así que traer eso a un entorno real sin romper la inmersión de la historia fue un reto”.
Hammack continúa: “Pleakley tiene estos brazos de fideo y gestos muy teatrales, y mientras más caricaturescas son las formas y los movimientos, más difícil se vuelve. Aunque necesitábamos mantener ese aspecto animado de ellos, también debíamos asegurarnos de que no se volvieran demasiado aterradores, lo cual es fácil que ocurra al poner personajes animados en un contexto realista. Pero creo que lo logramos muy bien. Pleakley es un poco más chistoso, así que fue fácil hacerlo tierno y simpático, pero Jumba, al ser tan grande, puede parecer intimidante de inmediato, así que tuvimos que tener mucho, mucho cuidado”.
El coguionista Chris Kekaniokalani Bright habla sobre cómo la tecnología moderna permitió hacer realidad ideas creativas:
“Escribir puede llevarte a ideas que toman meses en resolverse durante la producción. El bucle de portales infinitos, por ejemplo, surgió de una conversación con Dean. Nos dimos cuenta de que era increíblemente complicado, pero al equipo le encanta encontrar formas creativas de hacerlo realidad. La tecnología te permite hacer cosas divertidas e interesantes mientras capturas actuaciones auténticas, casi como de documental, de Stitch en el mundo real”.
Asegurar la autenticidad cultural y capturar la esencia de Hawái fue fundamental para el equipo de producción de Lilo & Stitch.
Eirich enfatizó la importancia de esto: “Era muy importante para nosotros capturar la autenticidad de Hawái, no solo el hermoso paisaje, sino también las culturas. Queríamos que la película se sintiera lo más real posible y que fuera fiel a la experiencia de la familia y la comunidad tal como se vive aquí”.
Eirich continúa: “Nuestro guionista Chris Kekaniokalani Bright, quien es hawaiano, nos ayudó a reflejar la cultura real, no solo una versión turística. También tuvimos un equipo de consultores especializados en cultura y lengua hawaiana”.
“Nuestro equipo de asesores culturales, liderado por Lāiana Kanoa-Wong, fue tremendo,” dice Peitzman. “Él se aseguró de que los diálogos, el uso correcto del idioma hawaiano, el pidgin y todos los elementos culturales fueran auténticos. Y que Chris escribiera el guion y trabajara con nuestros asesores impregnó la historia de una verdadera cultura hawaiana y local”.
Halprin agrega: “El contexto cultural y la autenticidad fueron una prioridad. Dean, en particular, quería asegurarse de hacer justicia a los aspectos hawaianos de la historia. Chris Kekaniokalani Bright, nuestro guionista, tiene raíces profundas tanto en la historia original como en la cultura, lo que nos ayudó a ampliar la idea de ‘ohana para incluir a la comunidad y el vecindario que rodean a la familia”.
Filmar toda la película en Hawái fue esencial para honrar la historia.
“Determinamos desde el principio que teníamos que filmar toda la película en Hawái para respetar la historia,” dice Peitzman. “Contratar a la mayor cantidad de personas locales posible era importante, y este equipo hizo un trabajo increíble. Nuestra diseñadora de sets, Katrin Chong, consiguió artículos localmente, añadiendo autenticidad a la película”.
Camp agrega: “El equipo hawaiano fue increíble, y es una comunidad cinematográfica muy unida. Hay muchos programas de televisión y películas que se graban en Hawái, así que el equipo está muy experimentado. Por lo general, como director, cuando vas a filmar a un lugar que no es una locación común, hay muchas personas aprendiendo sobre la marcha porque no hay suficientes proyectos ahí para que tengan experiencia, pero Hawái es totalmente diferente. Hay gente que ha trabajado junta por 20 años y que ya se entienden con solo mirarse. Me sentí muy honrado de poder filmar ahí”.
Camp continúa: “Una de las cosas que más me impresionaron fue su conexión con la tierra, y realmente no hay forma de recrearla en ningún otro lugar… es un lugar único. La tierra, la geografía, es increíble y espiritual, y las personas y culturas que han crecido alrededor de ella tienen una profunda reverencia por ella, y son muy comprometidos en protegerla y luchar contra el desarrollo. Es un espíritu maravilloso para estar rodeado de él y aprender de él”.
Halprin añade: “Filmar en Hawái nos permitió capturar comunidades locales, no solo la imagen de postal de Hawái. Lāiana nos dio ideas invaluables sobre los diálogos, la decoración del set y elementos más amplios de la historia”.
El diseñador de producción Todd Cherniawsky subrayó la importancia de la autenticidad cultural. “Una de las mejores cosas de este proyecto ha sido la posibilidad de sumergirme junto con el departamento de arte en la cultura de Hawái,” dice. “No se trata solo de referencias sutiles; se trata de que cada decisión esté basada en una influencia o historia cultural. Nuestros consultores culturales fueron invaluables al proporcionarnos contexto histórico y asegurar la precisión en nuestros diseños de sets”.
Filmar en Hawái también fue un sueño para el elenco. “Hawái es absolutamente mágico,” dice Billy Magnussen. “Desde la comunidad local hasta las costumbres, la naturaleza, la comida… realmente es un pequeño pedazo de cielo en la Tierra. Y no se puede superar el clima y las olas. Es un estilo de vida saludable. Poder meterte al océano en la mañana, luego ir a trabajar, y regresar a casa para volver a meterte al mar fue un verdadero placer”.
Zach Galifianakis está de acuerdo y dice: “La cultura de Hawái está integrada en el guion. ‘Ohana es algo real. La gente ahí es muy amable y muy positiva”.
Tia Carrere agrega: “De verdad no hay lugar como el hogar. No hay montañas que se parezcan a las montañas Ko‘olau. Insertar otra isla tropical simplemente estaría mal”.
Carrere continúa: “‘Ohana significa familia, y familia significa que cuidamos unos de otros. Familia significa que nos unimos e intentamos que las cosas funcionen, y todos se unieron en esta película para intentar hacer la mejor película posible y luego compartirla con el mundo”.
Filmar la película completamente en Hawái con un equipo mayoritariamente local fue crucial para la autenticidad del proyecto y fue una prioridad para los realizadores desde el primer día. Una sensibilidad local le da profundidad a la película.
“Incluso si no están frente a la cámara, estar detrás de ella también aporta sustancia a la película,” dice Bright. “Te hace sentir que eres parte del ‘āina, parte de la tierra, parte del mana y del kuleana. Nuestra responsabilidad es contar esta historia de la manera más auténtica posible”.
El equipo de producción de Cherniawsky hizo un trabajo fenomenal, asegurándose de que todos los sets se sintieran como hogares hawaianos auténticos, llenos de objetos que encontrarías en cualquier casa local. “Queríamos que todo resaltara en pantalla y se sintiera correcto,” dice. “Trabajamos muy de cerca con los equipos de arte y diseño de sets para asegurar que cada detalle, desde las calcomanías en los autos hasta el diseño de la casa de los Pelekai, fuera auténtico. El objetivo era crear un mundo que se sintiera fiel a la experiencia”.
El diseño de producción equilibra cuidadosamente los elementos queridos de la película original con actualizaciones innovadoras y un profundo deseo de autenticidad cultural, creando un mundo visualmente impresionante y emocionalmente resonante que honra el espíritu de la original mientras lo lleva a una nueva era. El diseñador de producción abordó la querida historia con una mezcla de respeto por las culturas e innovación.
La transición del estilo original pintado a mano con acuarela a la acción en vivo trae su propio conjunto de desafíos y emociones. Carrere está de acuerdo y dice: “Lo interesante de la primera ‘Lilo & Stitch’ era que tenía un estilo pintado a mano con acuarela, y creó un mundo lírico y hermoso de Hawái que era idealizado. Llevarlo al mundo real siempre es complicado porque cada quien tiene su propia visión de cómo debería verse, y Dean logró perfectamente mezclar la animación con los fondos reales para hacerlo totalmente creíble”.
El viaje inicial de exploración de locaciones de Cherniawsky en octubre de 2022 fue fundamental para dar forma al lenguaje visual de la película. Él explica el proceso de exploración y cómo influyó en el diseño.
“Vine a las islas hawaianas por unas dos semanas y media, comenzando en Kaua‘i. Hanapēepēe, en la esquina suroeste de Kaua‘i, fue la inspiración original para el pueblo en la película animada. Explorando Kaua‘i, vi la costa norte, la costa sur, el lado este y el lado oeste para entender los diversos paisajes de la isla,” dice. “Al trasladarnos a O‘ahu, intentamos replicar ese recorrido, encontrando locaciones únicas que nunca se han usado antes, creando una composición de todos los mejores elementos de las islas”.
Uno de los lugares centrales de la película es la casa de los Pelekai. Cherniawsky describe el proceso de encontrar y construir este set tan crucial. “El exterior y el interior de la casa de los Pelekai es la locación predominante en esta película,” dice. “Encontramos tres candidatos fuertes, pero una parcela de terreno en el lado de barlovento de O‘ahu destacó. Construimos el exterior de la casa como una casa tradicional, haciéndola a prueba de clima y funcional. Nos tomó unas 12 semanas desde el levantamiento inicial hasta abrir el set. La mayoría de las tomas interiores se realizaron en un escenario en Point Panic, un almacén convertido en el área metropolitana de Honolulu”.
Bright, quien nació y creció en Hawái, reflexiona sobre la experiencia de ver su escritura cobrar vida en el set. “La primera vez que pisé el set de la casa de los Pelekai, me quedé en shock,” dice Bright. “Se veía exactamente como las casas de nuestras tías, hasta el más mínimo detalle. El cuidado que todos pusieron para que cada detalle estuviera correcto fue increíble”.
Cherniawsky también enfatiza la importancia del refugio de animales en la historia: “La segunda locación más importante en esta historia es el refugio de animales, donde Lilo conoce al 626 y lo bautiza como Stitch,” dice. “Buscamos por toda la isla y encontramos un lugar único, conocido en la isla como Fong’s Plantation, que nunca antes se había usado en cine o televisión. La arquitectura de vigas y cerchas expuestas era perfecta para el personaje de Stitch, ya que le permitía desplazarse e interactuar con el entorno de manera lúdica y dinámica”.
Crear los entornos alienígenas y la tecnología fue otro gran reto. “Mi deber era crear entornos que reflejaran a la Federación Galáctica, pero también anclarlos en nuestro mundo real,” dice Cherniawsky. “El mayor desafío de esta película fue unir la arquitectura hawaiana con elementos intergalácticos. Usamos la idea de nanotecnología y diseños basados en el agua para crear transiciones fluidas entre estos mundos”.
Cherniawsky continúa: “Para la tecnología alienígena, como los artefactos de Jumba y los portales, nos inspiramos en la vida marina y el concepto de la sopa primordial. Nuestros portales están basados en los estados del agua, haciendo transiciones entre vapor, aire y agua para crear un diseño visualmente coherente y científicamente interesante”.
El director de fotografía Nigel Bluck aporta una perspectiva fresca al querido clásico animado. Con una carrera que abarca varios géneros y estilos, su enfoque en esta película resalta la autenticidad y la profundidad emocional, aunque admite que no estaba familiarizado con la película animada original.
“Tenía muy poco conocimiento sobre animación,” dice Bluck. “Pero al verla y estudiar su significado, me di cuenta de su importancia para Hawái y su gente. Eso fue lo que realmente me atrajo. Eso, y el hecho de que Dean Fleischer Camp la estaba dirigiendo. Me encantó ‘Marcel the Shell with Shoes On’ y pensé que una versión de esta historia con ese mismo corazón sería muy interesante”.
Después de muchas conversaciones con el director, Bluck decidió enfocarse en anclar la película en la realidad. “Nuestras pláticas siempre fueron sobre encontrar un sentido de realidad,” explica Bluck. “Queríamos ver a Stitch a través de los ojos de Lilo, quien tiene una visión mucho más inocente de su existencia, en lugar del punto de vista de un adulto”.
Filmar escenas con Stitch, quien sería agregado después en postproducción, presentó retos únicos para Bluck y su equipo. Tenían que asegurarse de que la presencia de Stitch no limitara el trabajo de cámara. “Intentamos filmarlo como si fuera una toma normal en todos los casos e integrar a Stitch en ella después,” dice Bluck. “Este método requería una planificación cuidadosa y una comprensión sólida de las dimensiones físicas y los movimientos de Stitch para integrarlo sin problemas en las escenas”.
Y la autenticidad fue fundamental al filmar en locación en Hawái. “Siempre quisimos asegurarnos de que el público sintiera el espíritu de Hawái lo más posible,” dice Bluck. “Intentamos infundir la cultura isleña en todos los aspectos… de una manera no tan obvia”.
La película animada, que contó con una partitura original compuesta por Alan Silvestri, es especialmente memorable por su música hawaiana auténtica y el uso de canciones de Elvis Presley. Para la música en la versión live-action, los cineastas querían rendir homenaje a la música que la gente recuerda del original, pero también encontrar nuevas formas de incluir a los hawaianos en la música, lo cual incluyó a la madre de Bright, Lynell K. Bright.
Bright es directora del Kamehameha Schools Children’s Chorus, un coro compuesto por niños de primaria, que interpretó parte de la música hawaiana auténtica para la película original y participó en varios temas para la versión live-action, incluyendo “Henehene Kou ‘Aka” y “He Lei Pāpahi No Lilo a me Stitch”, en la que el coro es acompañado por el cantante hawaiano Mark Kealiʻi Hoʻomalu. En “Hawaiian Roller Coaster Ride”, se les une el cantante nacido en Hawái Iam Tongi, ganador de la temporada 21 de “American Idol”.
El Kamehameha Schools Children’s Chorus está compuesto por 40 niños de cuarto a sexto grado. “Estos niños son muy especiales,” dice Lynell K. Bright. “Lo que hace que este proyecto sea tan especial para ellos es que todos son de ascendencia hawaiana nativa y todos hablan Ōlelo Hawaiʻi, así que fue un tremendo honor participar una vez más en esta historia tan querida”.
Otra canción de la película animada, que se puede escuchar en los créditos finales (y que aparece en la banda sonora de “Lilo & Stitch”, con música original compuesta por Dan Romer y disponible en Walt Disney Records), es “Burning Love”. La canción, popularizada en los años 70 por Elvis Presley y que fue interpretada por Wynonna Judd en la película animada, ahora es interpretada por Nyjah Music & Zyah Rhythm, dos jóvenes músicos nacidos y criados en la costa norte de Oahu, que además son sobrinos del artista ganador del GRAMMY® Bruno Mars.
La confianza en el director Dean Fleischer Camp fue evidente en todos los aspectos de la producción. “He conocido a Dean desde hace mucho tiempo, así que cuando me pidió estar en la película fue una decisión obvia,” dice Galifianakis. “Sabe lo que hace, y se nota la confianza que tiene al estar dispuesto a salirse un poco del camino establecido, lo que también permitió que los actores respiraran un poco y aportaran su propio estilo, haciendo que no se sintiera demasiado controlado”.
Courtney B. Vance valoró el enfoque detallado y preparado del director. “Dean estuvo muy, muy involucrado en todo,” dice Vance. “Gran parte de su trabajo fue ajustar la historia, y al final, eso se convierte en parte del tejido de la película. Todo forma parte de contar la historia, lo cual al principio es agotador, especialmente con el trabajo minucioso que implica hacer cine, pero él manejó todo excepcionalmente bien”.
Trabajar con el director fue una experiencia enriquecedora para Sydney Elizabeth Agudong. “Una de las primeras veces que hablamos sobre Nani específicamente, todo giró en torno al amor que rodea a la familia, el ‘ohana, que es el tema más grande de la película. Ambos estuvimos de acuerdo en que la historia muestra una situación familiar muy real y con la que se puede identificar, y que eso no necesariamente significa que esté rota. Cualquiera puede ser familia, y eso fue lo principal en el desarrollo de Nani”.
Carrere elogió el enfoque del director para la película, basado en su admiración por su trabajo anterior. “Había visto ‘Marcel the Shell with Shoes On’ antes de saber sobre ‘Lilo & Stitch’ o que Dean iba a trabajar en la película,” dice. “Me conmovió muchísimo ‘Marcel,’ cosa que no esperaba de una película animada. La combinación, el enfoque suave, el toque delicado con el espacio en el que vivía Marcel… fue algo muy íntimo y con una sensación muy cercana”.
Cherniawsky también habló muy bien del director, diciendo: “El enfoque de Dean hacia el material fue empático y sensible, y eso fue crucial para una historia tan profundamente arraigada en la cultura”.
POSTERS PELÍCULA LILO Y STITCH
EN CINES
“Esta película es para todos”, dice el productor Jonathan Eirich. “Captura la nostalgia para los espectadores mayores que crecieron con la película original e introduce la historia a una generación nueva. Hemos añadido profundidad y escenas nuevas para que sea una experiencia única, sin dejar de ofrecer sus momentos icónicos”.
Eirich continúa: “Es una película que combina humor, drama y la belleza de Hawái, y apela tanto a sus viejos fans como a quienes la descubren por primera vez”.
El coguionista Chris Kekaniokalani Bright declara: “Espero que el público disfrute del humor y la profundidad emocional de la película. Quiero que la gente se ría y pase un buen momento, pero que también sientan la profundidad emocional de la historia. Se trata de estar ahí para tu familia, sin importar cómo se vea eso. Hacia el final de la película, tenemos una familia que luce bastante extraña, pero de eso se trata la familia. Espero que todos salgan sintiéndose inspirados”.
Kaipo Dudoit espera que el público aprecie esta nueva versión de la entrañable historia. “Esta es una historia atemporal y transgeneracional; que se conecta con personas de todas las edades y de todo el mundo. El compromiso de la película con la autenticidad es evidente desde el momento en el que el público ve por primera vez nuestras queridas islas en la pantalla”.
“La gente va a llorar y a reírse a carcajadas”, declara Sydney Elizebeth Agudong. “Estoy segura de que podrán notar cuánto corazón, alma y esfuerzo se pusieron para hacer de esta película una hermosa obra de arte”.